Tres razones para ver Rango

En este momento se encuentra en cartelera la última película de los estudios Nickelodeon titulada “Rango”. En general es arriesgado ir a ver películas para niños, porque algunas son demasiado simples o simplemente no son divertidas, pero no hay que ser injustos con las películas infantiles, Disney mantuvo por décadas películas de animación convencional de gran calidad inspirándose en historias del folclore europeo y cuentos infantiles del siglo XIX. En la actualidad los estudios Pixar son las dignas herederas de estas películas y han desplazado  la animación tradicional, reemplazando los castillos y hadas por gráficas en tres dimensiones, donde la fusión de Pixar y Disney han variado los argumentos profundizado personajes y, en resumen, haciendo buenas películas. El resultado ha sido la desesperación de otros estudios por imitar estos logros como también abrir la puerta a películas de mayor calidad en el mercado del cine infantil, un buen ejemplo fue el año 2010 donde en las películas nominadas al Óscar para mejor animación compitió junto con “Wall E” una película llamada “Brendan and secret of Kells”, la que muestra la vida en un monasterio en Irlanda del norte durante la Edad Media y narra la historia de la construcción de un libro; dejando de lado elementos mágicos, el libro es presentado en la película como un tesoro, una pieza de arte y de preservación de la cultura, lo mejor es que la película sigue siendo un trabajo orientado a niños,  dejando atrás por mucho a los gases de “Sherk”.

En los últimos veinte años, desde la irrupción de Pixar y sus competidores, se han generado buenas películas de animación para niños que entregan no sólo historias entretenidas sino, también, muy buenas historias. Nickelodeon por lo general había entrado al cine llevando sus series al cine con películas que eran básicamente capítulos gigantes de Bob esponja (lo que no es malo, pero se están quedando super lejos de lo que hace Pixar). Sin embargo, la última película de Nickelodeon da un giro en estos intentos y acá les damos tres razones de porque es interesante ir a verla.

Animales disfrazados: Los animales aparecen antropomorfizados desde hace siglos, el ejemplo más claro son las manos de Mickey y su postura en dos patas, las que son el resultado de las adaptaciones que hicieron los artistas de Disney el siglo pasado de las ilustraciones de libros infantiles del siglo XIX donde había una forma más sencilla de antropomorfizar a los animales la cual era presentar a nuestros amigos del bosque con accesorios y vestimenta de seres humanos pero manteniendo sus rostros, patas, y colas de manera realista. En Rango vemos que los animales hablan, van al banco, se visten y disparan como seres humanos, pero con la diferencia que mantienen su aspecto lo más realista posible, esta vuelta al origen de los animales disfrazados para niños lo hace interesante el tener que acostumbrarnos los primeros minutos de película a ver animales actuando como humanos, pero que mantienen su aspecto, alejando la película de la influencia de Disney en lo que tiene que ver con animales con ropa (por decirlo de alguna forma).

Desierto: Sin entrar en detalles sobre  el argumento de la película, esta trata sobre un proceso de introspección y redención, elegir como escenario el desierto supone una valoración del espacio como un elemento narrativo lleno de una carga simbólica que surge desde la oposición entre la ciudad, como el lugar de lo cotidiano, y el desierto que es el espacio para la introspección y búsqueda espiritual. La película que alabamos acá hace un uso preciso y sutil del desierto como espacio simbólico.

Western: El cine ha generado un imaginario sobre el oeste norteamericano como un lugar donde los hombres fueron más rudos, duros y armados hasta los dientes. Esta imagen la podemos poner en duda y el sentido común nos habla sobre un espacio donde la vida era más bien monótona dedicada a las actividades ganaderas. Aún así, el imaginario que se forma en el cine se muestra en un género cinematográfico que tiene ciertas característica, algunos planos particulares, por ejemplo el plano americano que encuadra al Cowboy a la altura de los muslos entre las rodillas y las caderas hasta  los codos; esto con el fin de mostrar las manos y los revolver de los rudos hombres del oeste en el momento del duelo, acompañado con planos detalles a los ojos de los duelistas, se le suman elementos propios del argumento que llevan al protagonista de estas historias a un enfrentamiento frontal  con su antagonista. En el caso de Rango los elementos del Western que escuetamente hemos mencionado están presentes y bien utilizados en Rango.

En resumen por qué ver Rango. Primero, porque es visualmente interesante ver otra forma de antropomorfizar animales dando un diseño original a los personajes. Segundo, la película presenta ciertos símbolos que enriquecen la historia si uno los logra identificar. Por último, pese a que la película está protagonizada por un camaleón el lenguaje cinematográfico y desarrollo de la historia en esta película es fiel y hace justica a lo que es un western. Así que lo único que nos queda es recomendar e invitarlos a ver Rango, lleven a sus hermanos chicos, sobrinos, hijos o lo que sea que puedan llevar y disfruten de una buena película. 

Todo está iluminado a la luz del pasado.

El temor constante a olvidar nos hace elegir ciertos objetos y guardarlos como el más grande tesoro de nuestra memoria. Fotografías, entradas al cine, papeles, pétalos de flores y un montón de cosas que para algunos no son nada más que basura, para otros significa el contacto más directo con el pasado, con la propia historia.

Lo mismo ocurre a un nivel macro ¿A quién más que a la humanidad le importa que el hombre haya pisado la Luna? ¿A quién más que a Chile le interesa la llamada cápsula del bicentenario? (aunque opinemos que las cosas que allí hay son una mera estupidez). Si nos enfocamos en la buena intención de aquella capsula, su objeto es guardar por cien años más  lo que a los chilenos del 2010 les parecía interesante conservar, lo apropiado de recordar, lo que tememos olvidar, aunque muchas de esas cosas deseamos olvidar o hacer creer que no existieron.

Tal como ocurre en esa cápsula del bicentenario, la película “Todo está Iluminado” (2005, director Liev Schreiber) nos cuenta la historia de Baroch, un anciano ucraniano que tras muchos años de ocultar y “olvidar” parte de su historia personal se reencuentra con su pasado, por cierto muy duro de recordar marcado con el Holocausto Nazi.

Baroch nunca se hubiera reencontrado si no fuera gracias a Jonathan Safran Foer, un joven judío coleccionista que viaja a Ucrania para reconstruir la historia de su familia, y sin quererlo termina reconstruyendo, también, la historia de Baroch, su pasado, sus recuerdos, su presente.

Jonathan Safran Foer, al igual que cada uno de nosotros (pero en mayor y mejor medida) es un coleccionista de cosas familiares. En cada una de las bolsas que colecciona, no guarda sólo fotografías, pendientes, tierra, dibujos, placas de dientes… sino que por sobre todo, está perpetuando parte de su historia, la que lo llevó a viajar desde Estados Unidos hasta Ucrania para resolver el misterio de una fotografía que su abuela le entrega antes de morir. Jonathan Safran Foer lo único que busca, por medio de la rígida búsqueda que realiza en el país eslavo es “iluminar a la luz del pasado” su historia, la historia de su abuelo y la historia de la familia de Baroch.

La película nos muestra la labor del historiador, la labor de reencontrarse con el pasado y entenderlo, hacer que sea el pasado la luz del presente. Pero aún más que eso, la película nos representa a cada uno como persona, y cómo en nuestra vida somos pequeños coleccionistas de nuestra historia (algunos más ordenados que otros), guardando pequeños detalles que, esperamos, nos ayuden a recordar para toda la vida.

“Todo está iluminado” es de esas pocas películas buenas que nunca tuvieron demasiada publicidad, y que al leer la contratapa parecen ser aburridas; además la imagen de Elijah Wood, con sus grandes lentes y rodeado de muchos girasoles hacen que miremos la película con cierta desconfianza antes de arrendarla o bajarla. Sin embargo, una vez pasando esas ideas absurdas nos encontramos con una película emotiva, un muy buen guión, que toca el tema del holocausto sin ser mamona ni repetitiva, con una excelente música eslava y que cada vez que la vuelves a ver te sorprende con algo que habías dejado pasar la vez anterior.

"Santas Putas"

La semana ante pasada estaba en Iquique disfrutando del Miami de Suramérica, cuando nos enteramos que justo ese día comenzaba la tercera versión del festival de Cine independiente de Iquique, así que obviamente aprovechando la oportunidad fuimos a darnos una vuelta.

La película de la apertura trataba sobre la desaparición de una serie de adolecentes, todas vecinas y alumnas del mismo liceo. Las familias recurren a la policía donde son ignorados y humillados, centrando la investigación en la hipótesis de que las jóvenes han huido de su hogar para prostituirse, ya que todas eran drogadictas. En esta parte de la película es cuando aparece una sexta satánica que roba jóvenes mujeres y todo el caso es resuelto por Keanu Reeves.

Lamentablemente la película no era de ficción y no estaba filmada en Hollywood, era un documental chileno, así la realidad aplasta a medida que el documental avanza y podemos ver a familiares de las jóvenes que nos cuentan cómo son ignorados y humillados por la PDI, Carabineros, intendencia, autoridades del liceo… para no hacer esta columna eterna son ignorados por todo el país, ya que tanto el gobierno local, como las autoridades nacionales apoyan la tesis de carabineros y no se realiza ninguna investigación seria sobre los casos. Así pasan los años (para ser más exactos 3 años) y después de 14 asesinatos el caso se resuelve gracias a una joven que sobrevive y denuncia a un vecino de las jóvenes, el cual había violado y asesinado a las jóvenes desaparecidas. El presunto asesino es detenido y confiesa los crímenes después de haber sido torturado por dos días.

Con los meses, Julio Pérez Silva  se retracta e inculpa a varios carabineros en el caso, la duda se apodera del espectador y uno se pregunta sobre si los motivo de la negligencia en la investigación es incompetencia, discriminación o tal vez había alguien involucrado que no quería que el caso fuese resuelto, alguien involucrado en las violaciones y en la investigación de forma paralela. La comunidad afectada hizo de esto parte de su memoria y ha transformado a las víctimas en unas pequeñas santas que ayudan a sanar enfermedades del cuerpo y del alma para quienes les piden su intervención. El relato de Veronica Quense, orienta esta película hacia dos nortes, uno es la violencia contra las mujeres y, por otra parte, la discriminación que se transforma en un elemento estructural de la sociedad chilena, el abuso y uso del poder pasa a ser el tema de este excelente trabajo, el cual con un lenguaje cinematográfico sencillo, pero utilizado con inteligencia logra relatar una historia que todo cientista social debe ver y que toda persona tiene que conocer.

“Santas Putas” fue estrenado el 2010, dirigido por Veronica Quense, documentalista chilena de una gran trayectoria, nos regaló una película que fue la guinda para la grata sorpresa que nos tenían preparados los cineastas y cinéfilos del tamarugal. Así que ahora sabemos que en Iquique están los mejores completos del mundo (Dinámico), las mejores olas, buenas playas, chumbeques y buen cine.

*Quieres saber mas de esta película
http://www.santasputas.cl/
http://www.veronicaquense.cl/
http://www.eltejon.com/festival/

Bhopal Express, la tragedia de medianoche.

Cuando alguna película se basa sobre hechos reales pareciera calar más hondo en los espectadores quienes se conmueven y empatizan con lo que está sucediendo en la pantalla. Algunas veces son historia reales contadas por sus protagonistas con nombre y apellido, y que, por tanto, está siendo interpretada parte de su vida (por nombrar una película podríamos hablar de “El Sustituto”, 2008). Otras veces se crean personajes, se crea una historia particular para contar hechos reales en donde sus protagonistas vivieron –o viven- en el anonimato, películas en donde el argumento es una excusa para impactarnos con la Historia que se suele olvidar o quedar en algún periódico olvidado. Esta es la historia en la que me voy a detener.

Verma y Tara no existen, pero si existieron las 8000 personas que murieron en la primera semana del “accidente” químico más grande en la historia de India. Verma y Tara se reencontraron en la estación de Bhopal Express, también se reencontraron un cuarto de la población que sobrevivió con enfermedades crónicas producidas por la nube de 40 toneladas de gas tóxico que afectó a Bhopal. Verma y Tara sobrevivieron, también sobrevivieron las sustancias tóxicas, la contaminación en el agua y el daño irreparable en la población.

La noche del 3 de diciembre de 1984 desde la multinacional norteamericana Union Carbide se escapan toneladas de gases letales con catastróficas consecuencias para la población más sencilla de Bhopal, la que obviamente trabajaba en la fábrica y vivía alrededor de ella, en las afueras de la ciudad. Union Carbide nació de la venta de varias fábricas indias a la multinacional para poder abarcar el mercado de pesticidas y herbicidas, fundamental para el plan del gobierno de aumentar los rendimientos de la producción agrícola.

El mantenimiento de la fábrica era deplorable, las alarmas no funcionaban y la empresa no cumplía con todas las medidas de seguridad. Esa noche fatal se produjo una reacción de los químicos que terminó con nubes de gases tóxicos que el viento impulsaba hacia la ciudad, así la muerte comenzó a viajar en dirección norte llevándose a gran parte de la población india.

Por su parte, la empresa acusó a unos  ex empleados de sabotaje para justificar el accidente, el director de la empresa fui acusado de asesinato y la fábrica fue cerrada, tiempo después Union Carbide se fusionó con la multinacional Dow Chemicals.

La excusa para contar esta historia está clara en la película Bhopal Express (1999). No se debe esperar que ocurran estos “accidentes” para que las empresas se hagan cargo de sus responsabilidades, para que el mantenimiento y las condiciones de seguridad sean adecuados y para que el medio ambiente sea respetado. 

Acá hay un link con una canción e imágenes de la película: http://www.youtube.com/watch?v=0dPdq5hm63A

El Efecto Anthony Quinn

Es interesante ver como Hollywood se relaciona con otros lugares del mundo. En los argumentos de sus películas vemos como los norteamericanos transforman los lugares en otros, por ejemplo el desierto de Arizona fue el escenario de la lucha de Aquiles contra Hector en la reciente versión de la cinematográfica de la Iliada (Troya. 2005). Pero en relación a las identidades étnicas el tema se vuelve aun más divertido, vemos que un actor con sólo portar cierta vestimenta se apropia de determinada identidad cultural. En estas ilusiones donde en Hollywood los españoles pasan por mexicanos, y así los autores van permutando su identidad al momento de transformar su imagen.

Dentro de los actores que interpretan papeles étnicos en el cine hollywodense, el rey lejos es el fallecido Anthony Quinn. El mexicano tuvo una carrera de décadas en el cine norteamericano y en sus trabajos lo pudimos ver interpretar papales de árabe (acompañado de una tupida barba), griego, huno, hebreo y, por supuesto, de latino.

Lo interesante de Anthony Quinn es que sus interpretaciones de árabe, griego, o latino son convincentes no sólo porque el fallecido Zorbas era un gran actor, sino porque visualmente es convincente ver al señor Quinn representar papeles étnicos tan diversos.

Ahora si nos detenemos en ver los papeles interpretados por Anthony Quinn vemos que no tuvo la oportunidad de interpretar a Erick el Rojo o algún personaje nórdico, los variados personajes históricos o ficticios que interpretó estaban restringidos a un área que va desde Medio Oriente hasta América Central, entre lo que abarcan las líneas imaginarias del Trópico de Cáncer y Capricornio. Vemos entonces que Hollywood ve que el rasgo más característico de los hombres incluidos en estas aéreas es el pigmento de su piel, sin buscar más detalles en los fenotipos y diferencias étnicas entre latinos, europeos mediterráneos y árabes. Para los ojos norteamericanos el ser moreno es suficiente para poder pasar por cualquiera de estas etnias simplificando la forma como se miran las etnias y diferenciando entre “Ellos” de tez clara y pelo claro y los “Otros” morenos.

Les invito a revisar el Efecto Anthony Quinn, vean su trabajo, revisen la filmografía de este actor y de darán cuenta de lo que estoy planteando, además de ser muy divertido, es interesante ver como el cine norteamericano simplifica las diferencias étnicas, probablemente porque para la mayoría de los espectadores de estas taquilleras películas no son capaces, o no les interesa, reconocer y ver las diferencia entre una etnia y otra, con que sea moreno basta para ser convincente.

« ¿Quién vigila a los vigilantes?»

Esta historia ambientada en una realidad alternativa, nos introduce a un mundo caótico, donde el inminente enfrentamiento nuclear entre EE.UU. y la URSS es una amenaza tangible, y donde además nos encontramos con un gran realismo al momento de abordar a los justicieros enmascarados y su condición  humana.

Watchmen es una fuente de reflexión, no solo para el pasado sino también para el presente, especialmente en el caso de cómo percibimos la autoridad, pues esta se ve cuestionada, corrompida, desaprobada, etc. A lo largo de la cinta, y el cómic, podemos ver como los diferentes personajes van cuestionando y utilizando la susodicha autoridad que poseen en diferentes ámbitos, no  solo con respecto al uso de la fuerza,  pues este constituía uno de sus principales roles antes de ser prohibidos por la ley de Keene, sino también como debe ser guiada la sociedad, es el caso de Adrian Veidt (Ozimandias) quien pos de la paz mundial es capaz de desatar un ataque simultaneo en diferentes ciudades del mundo para así generar un enemigo común el cual eliminará las diferencias anteriores de los dos bloques que dividen al mundo, entonces, ¿el fin justifica los medios?

A pesar de esto podemos ver como la manipulación de la verdad, la insustancialidad  de los principios, y la relatividad de la realidad generan diferentes reacciones en los justicieros.

Desde el punto de vista de Weber, el ejercicio de la autoridad es ocasionalmente aprobado moralmente por aquellas personas que no la poseen; la autoridad institucionalizada (burocracia) simplemente se tolera debido a su poder social. Los enmascarados de Watchmen, antes de la aprobación de la ley de Keene, son los representantes de la institución de los superhéroes. En un principio, su autoridad es respetada, aunque finalmente es puesta en duda y surgen peticiones de responsabilidad. Este cuestionamiento de la autoridad es inspirado principalmente por oposición a la Guerra de Vietnam y  el movimiento por los derechos civiles, tratados en Watchmen.

La atribución de autoridad siempre tiene un contenido "subjetivo", porque involucra no solo a las personas que mandan sino también a las que obedecen. La relación de autoridad implica la aceptación de la misma; su mantenimiento y continuidad dependen, en gran medida, del prestigio de las personas que ocupan los distintos cargos. En la obra se muestra cómo los enmascarados son percibidos en un primer momento como auténticos dioses merecedores de adoración, en especial el Dr. Manhattan, para después realizar una deconstrucción de dichos personajes, que revela defectos que los hacen menos valiosos a ojos de la gente.

Otro tema muy ligado a la condición humana es tratamiento de la moral, principalmente en como cada uno de los aventureros adopta una postura diferente ante el conflicto. Rorschach es un seguidor radical de una doctrina absolutista pues cree que todos los criminales deben ser castigados por sus delitos y no vacila en recurrir a métodos extremos para lograrlo, también niega toda influencia a la cultura o al contexto en sus actos. El Comediante representa una postura completamente opuesta a la de Rorschach. El código moral de este personaje recibe diferentes calificativos a lo largo de la novela, Dr. Manhattan lo describe como «deliberadamente amoral» y en algunos momentos el personaje es casi nihilista. Mientras que Ozimandias representa la visión utilitarista, sus puntos de vista parecen reafirmarse al final de la obra: a pesar de que sus planes precisaban de la muerte de tres millones de neoyorquinos (y de un centenar de artistas y científicos de talento), los demás aventureros acceden a guardar silencio. Únicamente Rorschach se resiste a doblegarse: la  fidelidad a sus principios acaba con su muerte a manos del Dr. Manhattan.

Considerando las circunstancias en las que se ven envueltos los vigilantes y como protestan ante estas, como reaccionamos nosotros ante el contexto en el cual nos desenvolvemos. Pues, aunque no estamos ante una inminente guerra nuclear, si tenemos otros males -peores- como multinacionales, empresarios, la derecha, opresión policial, discriminación, xenofobia, homofobia, etc. Existe realmente una asociación entre autoridad y moral en Chile, a mí parece que no, entonces: ¿Quién vigila a los vigilantes en nuestra sociedad?

C. Chinaski.

Cosas curiosas de la Navidad

Como sabemos, en navidad se celebra el nacimiento de Jesús, el cuál es religiosamente –creo- el momento más importante para los cristianos, y en el cuál se estila que las familias se reúnan el 24 en la noche, cenen o coman pan de pascua con chocolate y a las 12 de la noche, lo más importante.. (no, no son los regalos) poner a Jesús en el pesebre.

Elf es una película de navidad que transcurre entre el Polo Norte y Nueva York. Elf (Will Ferrer), un humano criado como elfo decide partir a Nueva York a buscar a su padre, ahí descubre que la gente está dejando de creer en el espíritu de la navidad y eso está causando que Santa Claus no tenga la energía necesaria para entregar los regalos a los niños. En esta película se muestra la navidad como un tiempo para volver a creer y soñar, pero también se muestra cuales son las características de la navidad “oficial”, la imagen más proyectada de esta fiesta.

Con esta fiesta ocurren dos aspectos que me llaman particularmente la atención. El primero de ellos es la fecha. No existen registros sobre la verdadera fecha de nacimiento de Jesús (si nos ponemos más quisquillosos algunos dicen que ni siquiera existió) y las primeras referencias a la preocupación por la celebración de este hecho fueron durante el siglo IV, estipulando que el día de fiesta sería el 25 de Diciembre. O sea, la iglesia tomó ritos paganos, en este caso la celebración del solsticio de invierno para el hemisferio norte -el día más corto del año- y lo absorbió a sus festividades. Sin embargo, y en oposición, este es el día más largo para los habitantes del hemisferio sur. 

Entonces ¿Qué debemos celebrar? El nacimiento de Jesús un día que ni siquiera fue o el triunfo del Sol sobre la oscuridad amenazadora de la noche más larga del año, porque si es ésta última deberíamos olvidarnos de “Jebús” y celebrar como buenos hemisferiosureños la mítica Noche de San Juan, con higueras, papas y guitarras.

El segundo aspecto es la influencia del hemisferio norte por celebrar la navidad al más puro estilo de invierno (cómo se muestra en la película). Árboles con nieve, casas adornadas con botas de lana, renos, chimeneas y un viejo con una larga barba y con traje rojo, gorro y botas… ¿No es un poco absurdo con las altas temperaturas que tenemos? Olvidamos dónde estamos, qué elementos son propios de nosotros y perdimos la capacidad de adaptar esta fiesta a algo más adecuado a nuestra realidad, como por ejemplo Pascueros con short o palmeras de navidad...

Ni siquiera me referiré a como la figura de San Nicolás se transforma en un viejo consumista, perdiendo el valor de esta fiesta (ya sea el nacimiento de Jesús o el solsticio), que para mí, es una fiesta de y para los niños, así que eso.. Felices Fiestas y los invito a reflexionar.